Julia Varela vive y trabaja en Londres desde hace cuatro años. Tiene un MA en Escultura del Royal College of Art de Londres (2013-2015). Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Europea de Madrid (2004-2008). Ha recibido varios premios, becas y distinciones y su trabajo ha sido expuesto en Madrid, Londres y Dubai.
¿Por qué Londres? ¿Cómo y cuando llegaste a la ciudad?
Cuando vivía en España ni tenía trabajo ni posibilidad de tener un estudio y estaba bastante aislada. Me mudé a Londres para desconectar y acercarme a una escena artistíca más variada y poder así experimentar en un contexto diferente. Al cabo de un año trabajando aquí, me aceptaron en el MA Sculpture en The Royal College of Art. La propia escuela me concedió una beca para que pudiera hacer frente a las tasas y con otra que obtuve del Chelsea Arts Club Trust pude cursar el segundo año del máster.
Fue en este periodo cuando empecé a plantearme cuestiones en torno a la mediatización del sufrimiento y las consecuencias que este tiene en nuestra forma de producir afecto en nuestra vida cotidiana. Quería ver estas estrategias mediáticas de dominación y control emocional, encarnadas en un objeto tangible.
Tres planchas de espuma, que elevadas 10 cm sobre el suelo, utilizan un sistema autónomo para girar simultáneamente a diferentes velocidades en el espacio. S1 Gallery, Sculpture Building. Royal College of Art, London 2014
En estos cuatro años he tenido la oportunidad de compartir experiencias con personas de procedencias muy dispares y de desarrollar mi trabajo con cierta libertad, fuera de una demanda comercial galerística, aspecto que hoy considero esencial mantener.
¿Cómo defines tu arte/obra?
Busco que los objetos nos posicionen en paradigmas, sin embargo, me he sentido muy atraída por el uso del arte como un truco, como un callejón sin salida, un cul-de-sac.
Trabajas principalmente la escultura, pero también el vídeo y el sonido. Tacto, vista y oido. ¿Por qué estas disciplinas a la hora de expresarte?
A lo largo de este tiempo he querido utilizar el espacio como el lugar en el que un accidente, o colisión, ocurre, por lo que, en un primer instante nuestro pensamiento entra en una especie de suspensión. Por ejemplo, uno de los aspectos de obras como ‘Hijacked’ o ‘Significant Contact’, es que son piezas que personificaban estados de «shock», estados en los que uno «impacta» con algo. Lo que me interesa es alejar al objeto de ser un medio que amplifique y enfatice ensoñaciones.
Mi intención no está dirigida a controlar al espectador, dormirle para hacer que sueñe, se proyecte en una ilusión o se embarque en una situación lúdica, recreativa. Busco colocar al espectador fuera de esta dimensión onírica. Me interesan las acciones que devuelven a los objetos un sentido de procedencia y pertenencia a una realidad tangible, a través de la que determinados conflictos se originan y desenvuelven.
Utilizas materiales muy diversos en tu obra, como si la textura fuese parte de un lenguaje. A veces incita a tocar… ¿cómo te enfrentas al proceso creativo y de elección de estos materiales?
Sí, trabajo con materiales muy diversos, cada uno de ellos está relacionado con determinados estados emocionales con los que nos identificamos.
Yo no propongo una illustración de una asociación de ideas ni la traducción visual de un discurso especifico. Sigo el proceso inverso.
Uno de los aspectos que más me preocupa explorar son las formas en las que la expresión de descontento y protesta, han adquirido un valor económico. Nuestras expresiones y sentimientos de desconfianza en el sistema son monitorizados, almacenados y convertidos en velocidad y prototipos estéticos. Estas formas de dolor son transformadas en capital, en una forma de lenguaje, en un alfabeto. No sólo nos hemos convertido en espectadores de nuestro propio descontento, sino que nos sentimos realizados consumiéndolo. Sin estar mediados por esta satisfacción, parece que no somos capaces de adaptarnos a nuestro entorno, de sobrevivir en él.
Yo no propongo una illustración de una asociación de ideas ni la traducción visual de un discurso especifico. Sigo el proceso inverso. Normalmente, tengo ideas por un lado y veo escenas y objetos por otro. En la mayoría de los casos, las ideas contradicen a las imágenes o viceversa. Siempre están discutiendo, se odian. Estas imágenes aparecen en momentos en los que estoy inmersa en diferentes tipos de actividades. A partir de aquí, sí necesito un estudio donde seguir la discusión y poder intentar reconocer aquello.
‘Significant Contant’ con Stuart Boother y Seyit Bozdag. Court Room, QHS Wellington, London, 2015″
¿Trabajas con alguna galería o agente en España o en Reino Unido? ¿Crees que existen diferencias en la relación artista-galería entre los dos países?
He colaborado con varias instituciones en Londres y en España.
¿Encuentras intereses y preocupaciones comunes entre los creadores contemporáneos españoles y los británicos?
Sí, encuentro que hay intereses comunes pero en términos generales pertenecemos a una cultura social muy diferente y esto es muy enriquecedor para ambas partes. Los artistas españoles que más me han interesado, tienen todos un punto en común: la particular necesidad de generar problemas y hacerlos intervenir en un espacio común.
Sin embargo, en el Londres actual pensar un arte realmente activista o reivindicativo es una tarea casi imposible, al igual que imagino para los ingleses de mi generación es complicado darse cuenta de las formas de construir resistencia. He de decir que siempre me ha interesado este inmovilismo, trabajo en torno a él.
¿Quiénes o cuales son tus referentes en el mundo del arte?
Más que interesarme el mundo del arte, me afecta. Hoy puede parecer que el arte y sus instituciones son lugares de libertad, pero en mi opinión no lo son en absoluto.
Cuéntanos en qué estás trabajando en este momento. ¿Tienes alguna exposición durante este mes? ¿Y en los siguientes? (Por favor especifica dónde y cuándo).
Una de mis obras más recientes X/5.000, de la serie ‘Hijacked‘ se podrá visitar hasta el 10 de abril en la muestra de Generaciones 2016 en La Casa Encendida en Madrid. En junio voy a participar en una exposición en Londres organizada y comisariada por SCAN. En el 2016 tendré alguna que otra exposición en Londres y estoy viendo la posibilidad de hacer alguna residencia. Debido al formato en el que trabajo son muchas las dificultades que encuentro a la hora de llevar a cabo las ideas sin un apoyo externo y sobre todo sin poder disponer del tiempo.
Y por último te proponemos un juego, te damos una palabra y nos respondes con otra, la primera que te venga a la cabeza.
Arte: O.K
Expresión: O.K
Escultura: O.K
Política: K.O
Identidad: K.O
Técnica: S.O.S
Foto portada: ‘Hijacked’ serie de 11 pantallas de plasma dobladas, 2015. Studio view, Royal College of Art, London © Julia Varela
*Significant Contact: Stuart Boother y Seyit Bozdag discuten en torno a la manera de elaborar juntos una coreografía de una confrontación cuerpo a cuerpo. Durante dos horas ensayan con el fin de componer una narrativa basada en movimientos de ataque y defensa personal. Trabajan conjuntamente con el objetivo de elaborar una confrontación física lo más realista posible.
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Julia Varela vive y trabaja en Londres desde hace cuatro años. Tiene un MA en Escultura del Royal College of Art de Londres (2013-2015). Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Europea de Madrid (2004-2008). Ha recibido varios premios, becas y distinciones y su trabajo ha sido expuesto en Madrid, Londres y Dubai.
Web Julia Varela Arribas: http://juliavarela.com
Twitter: @JuliaVarela_A
Julia Varela en SCAN (Spanish Contemporary Art Network): http://blog.scan-arte.com/2015/02/16/julia-varela
Esta entrevista se ha realizado dentro del proyecto #ESCANEANDO que Brit Es Magazine lleva a cabo con la plataforma SCAN con la intención de unir fuerzas para promocionar a artistas emergentes desde ambas plataformas. ¡Esperamos que os guste!