«Vine a Londres para estudiar un MA de Escenografía en la Royal Central School of Speech and Drama. Lo cual me hizo abrir un poco los ojos y unas cuantas ventanas. Actualmente soy miembro de la Society of British Designers y he colaborado en su revista Blue pages. Empecé a trabajar con Second Skin Theatre días después de entregar mi proyecto fin de Máster. La vida real no tiene nada que ver con los proyectos especulativos, tienes limitaciones por todos los lados, de espacio, de presupuesto… lo que en cierto modo aprovecho como ventaja para poder explotar mi creatividad al máximo.»
`Fare Ala´..no me digas más..no sé italiano y sin embargo ya he traspasado la fina ala del hada en su aleteo chisporroteante de soldaduras. El Hala del Hada.. los románicos ya lo entendemos. Italia, ¿qué te llevó allí? ¿Qué sacaste de aquellas cajas? ¿Te las llevaste para Londres?
Todas las piezas parecían encajar cuando llegue a Italia . Allí me condujeron mis dos grandes pasiones, la música y el arte. Italia la cuna de la ópera, la ópera fusión de todas las artes: pintura, escultura, danza, poesía, música, cine… perfecta mezcla. Cuando puse los pies por primera vez en el maravilloso teatro Politeama, me di cuenta de que allí quería pasar el resto del año. Con el paso de los meses también tuve oportunidad de trabajar como artista escénica en el tercer teatro de ópera más grande de Europa, el colosal y mágico Teatro Massimo.
El blog de `Fare Ala´ se despliega como una mariposa infinita, no pudiendo encontrar el principio ni el fin. ¿Era este el fin último del grupo o movimiento? Los fragmentos de vuestros trabajos no destilan una intencionalidad puramente estética, ¿me equivoco? Cuéntanos más.
Sabes que mariposa en italiano se dice farfalla? Curiosa coincidencia que lo menciones… De hecho el logo del grupo, principio y símbolo, muestra dos manos sucias entrelazadas recreando unas alas, (tal vez de mariposa…). En parte representa la idea de «mancharse las manos», trabajo manual desde la autopublicación hasta arte en la calle aunque también refleja la idea de un trabajo colaborativo y pluridisciplinar.
Todo empezó un día del mes de Octubre del 2009 en una pequeña sala de la Accademia di Belle Arti di Palermo (Italia), donde un grupo de jóvenes Erasmus y nativos del lugar se juntaron con la idea de crear e innovar. A partir de ese día una pequeña bola de nieve se ha ido haciendo cada vez mas y mas grande. Los componentes del Fare Ala se dispersan, introduciendo nuevos escenarios (Murcia, Sevilla, Bilbao, Alicante, Roma, Londres, Venecia, Florianópolis (Brasil), Córdoba (Argentina) e involucrando a nuevos artistas que se mantienen en contacto constante, convirtiendo la distancia y las conexiones entre los distintos núcleos en elementos fundamentales para el desarrollo de cada nueva experiencia. Esperemos que esta «bola» siga creciendo por mucho tiempo.
Ana Inés Jabares Pita. Foto © Carmen Almenzar
Háblanos de tus proyectos, en los que coges magistralmente el lápiz describiendo trazos unas veces perfectamente demarcados, otras inacabados. ¿Hay intencionalidad en ello o es sencillamente cosa del guión? ¿Eres la matriz del diseño escénico de los proyectos en los que participas? ¿Qué elementos son fundamentales para que tu idea no se diluya o realmente a veces el cambio de algún elemento o la propia improvisación han dado un mejor resultado a tu obra?
Los trazos surgen y generalmente son imprevisibles…
Siempre hay reglas, guiones, pautas o limitaciones que de una forma u otra trato de saltarme o bien convertirlas en ventajas.
Cuando pinto y dibujo me dejo llevar, aunque desafortunadamente llevo un tiempo sin ponerme a ello ya que la escenografía esta consumiendo la mayor parte de mi tiempo.
Yo no soy la matriz del diseño, generalmente la matriz de diseño es una palabra de un guión, un sonido, una nota… Lo único que yo hago es prestar atención a todos esos detalles y estímulos para, a partir de ellos, recrear un ambiente, una atmósfera…
En los proyectos en los que mejor me encuentro son los que se afrontan de forma colaborativa. Todos aportamos ideas, el equilibrio es una característica fundamental para el equipo. Cada uno tiene una especialidad dentro del grupo pero todos interferimos y opinamos en el resto de especialidades para así crear un producto coherente que funcione. Aunque siempre la ultima palabra en cada disciplina es de la persona especializada en ese campo. Nos nutrimos los unos de los otros, y en cada proyecto todos aprendemos cosas nuevas.
Pienso que es bueno defender las ideas propias pero también saber cuando te están dando un buen consejo y saber aceptarlo o rebatirlo. Nunca pensé que en mi trabajo fuese tan importante el diálogo y el saber expresarse correctamente, aunque frecuentemente me ayudo de dibujos o esquemas para explicar mis ideas ya que es mi punto fuerte como medio de expresión.
Las temáticas y los tratamientos de estos proyectos escénicos son a su vez heterogéneos, desde la más habitual fusión de ballet clásico y danza contemporánea de «Pierrot Lunaire», pasando por un Elisir d’amore de Donizetti en una carnicería o «The Incarnation of Una Furtiva Lagrima» hasta un proyecto totalmente sensorial sobre el contemporáneo Beckett (Ill Seen Ill Said). Parece haber un énfasis en la creatividad. ¿Las apariencias engañan?
La apariencias no suelen engañar…
Valoro mucho la creatividad. Para mi hay tres pilares fundamentales a los que siempre intento ceñirme en mi trabajo: la originalidad, la simplicidad y la elegancia. Esta es la base para cualquiera de mis trabajos, aun que haya gente que pueda pensar que en poner Elisir d’amore en una carnicería no sea «elegante». Pienso que el hecho de tener un Nemorino carnicero cantando una de las mas bellas arias del bell canto , Una Furtiva Lagrima,dentro de un frigorifico rodeado de carne resalta la belleza de la voz y de la música.
Siempre parto de ideas muy simples, que poco a poco voy adornando y creando un sentido diferente.
Me gusta que las escenografías tomen vida durante las obras, no que sean un bonito e inútil marco decorativo. Para mi es fundamental que el diseño forme parte fundamental de la dramaturgia de la obra.
Sappho by Robert Piwko
El enfoque multidisciplinar por el que optas ¿tiene algo que ver con tu perfil multiartístico? ¿Podrías contarnos algo más sobre esto? ¿Cuál es la vertiente de tu formación que más influencia en tu obra? Volviendo a Fare Ala me estoy imaginando un sistema de antiguos y bellos interruptores que se encienden y se apagan sólos. Pero quien mejor que tú para ilustrar este asunto…
Lo que hago, lo hago por lo que soy, consciente o inconscientemente. Pienso que de una manera u otra todo lo que has vivido se ve reflejado en tu obra, en cierto modo es una forma de nudismo. Poco a poco uno va creando su propio vocabulario.
Tanto las artes visuales como la música esta presente en mi obra de forma equitativa. No hace mucho me di cuenta de que mi inspiración se estimula por la música y sonido, para luego transformarse en algo visual y material, así que creo que las vertientes están bastante equilibradas. Hecho de menos la música de forma activa, hecho de menos cantar aunque de vez en cuando tengo oportunidad de colaborar con el Coro Gaos. La verdad que disfruto muchísimo cantando con ellos. Cada una de las cosas que hago me aporta sensaciones completamente distintas.
Puedo imaginarme esa sala llena de interruptores de diferentes formas y colores que conectan diferentes luces y corrientes eléctricas y a veces coinciden. Realmente, no puedo encontrar mejor forma de expresarlo.
Y ya que estamos en este cuarto de la memoria vayamos a las atmósferas más oscuras y misteriosas en las que te gusta envolvernos, con puerta de salida, pero ahí estamos expectantes. Nos das el principio y eso está muy bien. ¿Es el principio hacia algo?
Pienso que son los fonemas de unas nuevas palabras, de un nuevo vocabulario. Busco la escenografía perfecta que espero no encontrar nunca, para seguir buscando y experimentando el resto de mi vida.
Durante este año me he estado empapando de teatro y obras experimentales, me dirijo a experimentar con Ópera, aunque no descarto otras disciplinas, la vida te puede sorprender muy gratamente.
Si hablamos de comienzos… ¿cómo han sido tus comienzos en London? ¿Qué acogida ha tenido vuestro último estreno? Hemos escuchado algo de que andas embarcada en un nuevo proyecto.
Primero decirte que realmente me parecen increíbles las conclusiones que has sacado sobre mi obra, son muy inspiradoras. Nunca tuve oportunidad de que nadie me expresara de esta forma sus conclusiones sobre mi trabajo. Me comunicas muchísimo de como ver mi obra a partir de otros ojos y lo valoro mucho.
Vine a Londres para estudiar un MA de Escenografía en la Royal Central School of Speech and Drama. Lo cual me hizo abrir un poco los ojos y unas cuantas ventanas. Actualmente soy miembro de la Society of British Designers y he colaborado en su revista Blue pages. Empecé a trabajar con Second Skin Theatre días después de entregar mi proyecto fin de Máster. La vida real no tiene nada que ver con los proyectos especulativos, tienes limitaciones por todos los lados, de espacio, de presupuesto… lo que en cierto modo aprovecho como ventaja para poder explotar mi creatividad al máximo.
El mes de Mayo ha sido bastante intenso, a principios de mes he diseñado la escenografía para The Freedom Plays por Sarita Plowman en el Courtyard theatre, y casi solapándose he diseñado la escenografía para Hamlet’s Fool escrita e interpretada por Peter Cutts en el teatro Cockpit. En este momento estamos montando una nueva versión A Picture of Dorian Gray por Rob Johnston dirigido por Andy McQuade, llena de sorpresas y volvemos con Sappho…in 9 fragments dirigida por Jessica Ruano pero esta vez en un maravilloso e inspirador teatro, en el cual Shaekespeare hizo sus primeros pinitos, The Rose Theatre.
El verano se presenta lleno de trabajo afortunadamente. No veo la hora de poder empezar a trabajar en España, si todo va bien dentro de poco tendré mi primer proyecto «na miña terra» , Galicia, así crucemos los dedos…
Muchas gracias por todo. Nos vemos pronto.
Blog de Ana Inés Jabarés Pita: http://anainesjabarespita.blogspot.co.uk