Álvaro Negro, Ainara LeGardon, Juan López, Estelle Jullian, Jesús Otero-Yglesias y Rodriguez -Méndez, ganadores/as de la ‘I Edición Premios Connexio, espazos para a reflexión’.
El 13 de agosto tuvo lugar en Lugo el fallo de la I Edición Premios Connexio, espazos para a reflexión. Con esta iniciativa, el Ayuntamiento de Lugo, a través del área de Desarrollo Local, quiere poner en valor el itinerario Xacobeo con vistas al próximo Año Santo como elemento dinamizador de las artes y del talento y del patrimonio cultural, histórico y arquitectónico del rural, así como desarrollar una apuesta por un turismo que busca experiencias diferentes.
El jurado estuvo formado por un comité de expertos y expertas compuesto por Susana González (Comisaria independiente y gestora cultural), Ángel Calvo Ulloa, (Crítico de arte y comisario independiente), César Carnero (Delegado de Patrimonio histórico-artístico y director del Museo Diocesano Catedralicio de Lugo), Mª Esther Muñoz Mella (Directora de la Y.La. S.D. Ramón Halcón de Lugo) y Norman Veiga Álvarez, como secretario del Jurado, con voz pero sin voto.
Participaron en esta 1ª edición del premio, convocado por el Ayuntamiento y el Obispado de Lugo, un total de 220 creadores/as y se presentaron un total de 190 propuestas.
Destacó la amplia diversidad de proyectos, que llegaron desde diferentes puntos de España y con una amplia participación de artistas españoles residentes en el exterior, principalmente de Reino Unido y Alemania.
El Jurado destacó la gran calidad y variedad de las propuestas presentadas, asi como la amplia diversidad de disciplinas artísticas recogidas en ellas.
“Fue una experiencia muy positiva, con una participación alta y variada en las propuestas y técnicas artísticas. Lo más importante para mí son las conexiones que se establecen entre los espacios, el Camino y la propia realidad del arte contemporáneo y el arte sacro.” César Carnero, miembro del Jurado.
El Jurado valoró que los proyectos hubiesen respondido a criterios de calidad y excelencia; fuesen sostenibles y respetuosos con el patrimonio y medio ambiente; que fuesen proyectos viables y presentados con claridad; la multidisciplinariedad artística, y la colaboración con la comunidad de las parroquias en las que se encuentran las iglesias.
“Los Premios Connexión ponen a Lugo como punto de referencia en el Camino y además en el mundo del arte contemporáneo, siendo, desde luego, una experiencia enriquecedora en inovación para los vecinos, tanto en el entorno rural donde están ubicadas la mayoría de las iglesias, como para los habitantes del municipio de Lugo.” María Esther Muñoz, miembro de Jurado.
PROPUESTAS Y ARTISTAS PREMIADOS/AS
ÁLVARO NEGRO / Propuesta: CUMIO / Espacio: San Miguel de Bacurín
Álvaro Negro propone la instalación de varias piezas de pared esculpidas con granito negro- el mismo material de algunas de las tumbas del cementerio de San Miguel- en las tres paredes exteriores de la sacristía. Una propuesta abstracta que se integra respetuosamente con el contexto. En Cumio el sujeto visual será el triángulo ofreciendo piezas tridimensionales que se desarrollarán análogamente a un canon musical, en forma de polifonía a través del volumen, el espacio y el tiempo.
“Ha sido la visita a los lugares propuestos en esta primera edición de los Premios Connexio lo que ha decidido mi presentación, tanto por la potencia paisajística del entorno como por la riqueza patrimonial de esta etapa del camino primitivo donde todavía se puede sentir una historia europea labrada en los intercambios culturales que viajaban por sus rutas más transitadas.” Álvaro Negro
“La propuesta de Álvaro Negro destaca por la sutileza y por lo purista del planteamiento de intervención, por su integración en contexto exterior del edificio, así como por su justificación teórica y la significación adquirida en el contexto de Bacurín.”. Susana González, miembro del Jurado.
Álvaro Negro (Lalín, 1973) es un artista que viene analizado el género pictórico sin perder de vista las cuestiones históricas que, por similitud o contraste, son pertinentes respecto a su estatus contemporáneo. Así podemos encontrar referencias a la luz en la pintura del Renacimiento o el tenebrismo del Barroco, a una conciencia del color respecto a sus connotaciones históricas, un despliegue formal más allá del cuadro —en la fotografía o el vídeo—, y una constante preocupación por la modulación del espacio y la arquitectura. Sus imágenes se enraízan en la cuestión espacio-temporal, y aún siendo muchas veces abstractas, establecen una ligazón con experiencias de lo cotidiano — evidencias de un modo complejo de ver y estar (en el mundo)—. Así el artista se reconoce como primer espectador de un proceso perceptivo que dispone formalizado como tal, bien sea mediante el movimiento solar de un claroscuro o mediante el propio fluir de la pintura como axis del espacio entre el espectador y el cuadro.
Su titulación académica se inició con la licenciatura en Bellas Artes en la Facultade de Belas Artes de Pontevedra, Universidade de Vigo (1991-1996), posteriormente consiguió el título de Master en la misma especialidad en el Central Saint Martins, University of the Arts, Londres (2002-2003).
Su campo de acción también se ha extendido a la escritura, con ensayos o textos sobre otros artistas, y al comisariado, como el ejercido en la última edición de la Bienal Pintor Laxeiro de Lalín, en exposciones individuales como Blind Wall, de la de la artista Irene Grau, o en colectivas como Narrativas Monumentales. Figuras, paisajes y rituales, en el MAC Gas Natural Fenosa.
AINARA LEGARDON / Propuesta: “Conexión, modulación” / Espacio: San Pedro de Mera
Ainara LeGardon propone una intervención sonora y performática centrada en la interacción con la historia y condiciones acústicas de la iglesia de San Pedro de Mera, abordando esta labor “site specific” desde la improvisación libre, valiéndose de su voz y algunos recursos técnicos que ha explorado en los últimos años, construyendo un diálogo a tiempo real, orgánico y cambiante, con la propia música y el lugar donde se produce. Una pieza que aúna el Arte Sonoro y las Artes Escénicas, en la que activa y crea a tiempo real la música, basada en un guión previamente establecido a modo de partitura de instrucción.
“La presente convocatoria resulta ser una oportunidad perfecta para poner en práctica una de mis intervenciones sonoras y performáticas, pues tanto la acústica del espacio propuesto, como la historia que le rodea, conforman riquísimos materiales primos desde los que trabajar y dar forma a una pieza sonora y escénica única, concebida expresamente para la ocasión.” Ainara LeGardon
“De entre las muchas propuestas recibidas vinculadas a la música experimental, la de Ainara LeGardón se adecúa de una manera clara a las premisas de este premio. Su bagaje como compositora e intérprete refuerzan la elección.” Ángel Calvo Ulloa
Retrato de Ainara LeGardon © Rafa Rodrigo 2018
Ainara LeGardon (Bilbao, 1976). Artista y compositora, lleva en activo más de 25 años. Sus 7 discos en solitario han sido alabados por la prensa especializada y son considerados como referentes en la escena independiente del Estado. Durante estos años ha realizado giras por toda Europa y Estados Unidos. Al margen del ámbito del rock, Ainara LeGardon desarrolla un prolífico trabajo en el campo de la performance, la música experimental y la improvisación, tanto en solitario como formando parte de diferentes colectivos (Archipiel, colectivo maDam, etc.) y piezas escénicas.
Como artista sonora ha desarrollado varias piezas, instalaciones y performances sonoras, entre ellas “El deseo como cemento” (Wroclaw –Polonia-, 2015), “Caementum” junto a el media-artista Jaime de los Ríos en Museum Cemento Rezola (Donostia, 2016) o “Ecosistemas sonoros piensan, aprenden” como fruto de la primera residencia artística auspiciada por Mugako- Festival de Música Avanzada en Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria-Gasteiz, 2018).
Activista de la filosofía “Do it yourself” y experta en Propiedad Intelectual, compagina la impartición de talleres y charlas en torno a la autogestión cultural con su faceta artística.
ESTELLE JULLIAN / Propuesta: “28,7 km” / Espacio: San Xoán del Alto
El proyecto de Estelle plantea representar un tramo del Camino Primitivo Xacobeo mediante la instalación de un hilo de lino enrollado en una de las columnas del atrio de la iglesia de San Xoán del Alto. El hilo tendrá la longitud exacta de 28,7 km, el largo de la ruta de los premios Connexio. La columna entonces transformada en huso acogerá un elemento fusiforme de lino puro. La instalación se llevará a cabo incluyendo una acción participativa con los vecinos, peregrinos y público.
“Vinculando temáticas como el camino, el hilo, el lino, la columna y el huso este proyecto tiene la voluntad de revelar vínculos entre elementos aparentemente aislados y ofrecer una lectura nueva ocupando de manera poética el espacio público, el patrimonio histórico, sagrado y arquitectónico.” Estelle Jullian
“Se trata de una acción participativa que invita reflexionar sobre la importancia del lino en la tradición textil y el papel de la mujer en su fabricación, y por la sutileza en su materialización.” Susana González
© EstelleJullian. Imagen de la propuesta ‘28,7km’
Estelle Jullian (Aviñón, Francia) vive y trabaja en Valencia. Su practica aborda diferentes campos como la arquitectura, el arte, la ecología y la participación. Le interesan los procesos de desarrollo de herramientas inclusivas que puedan concretarse en talleres, proyectos comunitarios y exposiciones, donde el espacio se entiende desde una perspectiva social y cultural. Ese interés por las practicas espaciales contemporáneas y por el medio ambiente le lleva también a investigar el espacio urbano y rural de manera más experimental.
A parte de su experiencia como arquitecta, en su trayectoria artística se pueden destacar proyectos de varios índoles como Sedimentos, May Your Rice Never Burn, Arxiu Convent, Acciones Extra-Ordinarias, 23,5/Máquinas simples, Relecture y Participa Reina. Ha expuesto en Art Genêve, en la Galeria Blanca Soto Madrid, en el Embassy of Foreign Artists. Ginebra, en Matadero y en el CCCC, entre otros.
JESÚS OTERO-YGLESIAS / Propuesta: El Fulgor en la espesura / Espacio: Santa María de Gondar
La propuesta de Jesús Otero-Yglesias parte de las catorce cruces de las paredes de Santa María de Gondar, las estaciones de la pasión de Cristo, simples cruces de madera sin abalorios ni dorados. Propone seguir la senda de la teoría de Holland y del gesto humilde, y significativo, que es trazar una cruz. Gesto que no solo tiene el significado histórico y espiritual conocido, también es la forma más sencilla de ordenar un espacio y de orientarse en él. Una propuesta que incluye la elaboración de una colección de 60-100 piezas realizadas por el artista y invitando a participar con sus propias piezas de cruz a vecinos, artesanos, peregrinos y otros visitantes de la iglesia o del lugar.
“No he querido alejarme de la dimensión espiritual del pequeño recinto a intervenir, bien al contrario he pretendido enfatizar esta llevándola a un nivel que tenga que ver con la creatividad, con el encuentro entre lo personal y lo colectivo, con el azar y lo encontrado.” Jesús Otero-Yglesias
“Por el vínculo directo con el territorio en el que se desarrolla esta propuesta, la relación establecida con detalles ornamentales de esta iglesia y la versatilidad que el proyecto manifiesta.” Ángel Calvo Ulloa
© Jesús Otero Yglesias. Imagen de la prppuesta «El fulgor en la espesura»
Jesús Otero-Yglesias (Lugo, 1963). En 1993 obtiene una beca Unión Fenosa con la que se traslada a Bélgica donde tuvo varias exposiciones individuales y colectivas. Ha expuesto en buena parte del territorio nacional destacando individuales en la Miró Mallorca Fundació (2004), en la Fundación Eugenio Granell de Santiago de Compostela (2007), en la Fundación Antonio Pérez de Cuenca (2005) y una retrospectiva en el Museo Provincial de Lugo (2013). Ha recibido el Gran Premio de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de A Coruña (2000) y el Premio Pilar Juncosa y Sotheby,s de la Fundación Pilar y Joan Miró de Mallorca (2004), además de distinciones internacionales como el tercer premio en el certamen de los Premios Europa de la ciudad belga de Ostende (1993).
JUAN LÓPEZ / Propuesta: Ruído de fondo / Espacio: San Vicente del Burgo
Juan López se apoya en el coro de San Vicente do Burgo y en uno de los elementos más característicos de esta iglesia, su reloj, para albergar una representación artística sacra haciendo “sonar” la iglesia a través de dos acciones, dos piezas con un eje común: la idea de crear una relación directa entre lenguaje, grafía, sonido, arquitectura espacio.
“La historia que alberga San Vicente do Burgo y su especial magnetismo, me ha llevado a pensar en una intervención que comienza en intramuros, pero que se proyecta hasta el exterior, con el objetivo de que peregrinos, paseantes y gentes del lugar, participen de la historia viva del mismo”. Juan López.
“Por la capacidad de la propuesta para llamar la atención sobre elementos integrantes de la arquitectura de la edificación y su resignificación, así como por la involucración del público en la activación de la obra.” Susana González
Retrato de Juan López © Jonay P. Matos.
Juan López (Cantabria, 1979). Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Cuenca, López Díez ha presentado exposiciones individuales en el Centre d´ Art La Panera, el OK Centrum de Linz, la Galería La Fábrica, ARTIUM, Matadero, Bellevue (Linz), la Sala Naos de Santander, el Espai 13 de la Fundació Joan Miró, el Centre Santa Mònica, el ECAT de Toledo y La Casa Encendida.
Concibe su obra desde el marco de la reflexión que en su día emprendió en torno al modo en que la experiencia de habitar delimita nuestra percepción del espacio y el tiempo, su trabajo acude a elementos de carácter arquitectónico asociados a las estructuras de poder para tratar de vislumbrar alternativas a las relaciones sociales normativas.
Mediante el recurso de la metáfora y siempre desde la intervención específica en espacios dados, pretende quebrar y luego recomponer los vínculos entre los tres elementos que conforman la ecuación de su trabajo: ciudad, subjetividad y poder. La idea de “quebrar” es esencial en su práctica. Le permite vincular la objetividad del “afuera” con la percepción individual.
RODRÍGUEZ-MÉNDEZ / Propuesta: Del hijo, la respiración / Espacio: Capilla del Carmen
RODRÍGUEZ-MÉNDEZ propone para esta capilla, situada en extramuros de la ciudad de Lugo, la creación de dos superficies de tela de 9x6m sobre bastidores que serán colocadas en los laterales del interior de la Capilla del Carmen en Lugo. Estos lienzos contendrán en su parte superior aceite que será entregado por los miembros de la cofradía del Carmen y depositado en una vasija dispuesta en el interior de la iglesia. En Del hijo, la respiración el aceite se va desvelando verticalmente por la superficie de la tela, como una presencia que se descubre lentamente y que habla de un peso, una forma corporal sutil extendida construyendo a su vez un paradójico y vívido plano.
“Me resulta especialmente emotivo que ese material (el aceite) provenga de los espacios íntimos y privados de las familias de los cofrades para unirse en un solo “cuerpo” en la vasija, que posteriormente, en un proceso lento y sin intervención de ningún tipo irá ocupando las dos superficies de tela en una transformación que parecería no acabar nunca, como lento y sin término es el proceso del conocimiento.” Rodríguez-Méndez
“Por la capacidad de Rodríguez-Méndez para sintetizar en su propuesta aspectos conceptuales relativos a la tradición y a la forma de entender el espacio en la resolución formal”. Ángel Calvo Ulloa
© RODRÍGUEZ-MÉNDEZ. Imagen de la propuesta ‘Del hijo, la respiración’.
RODRÍGUEZ-MÉNDEZ trabaja en proyectos en los que implica diferenciados lenguajes al margen de la influencia del espacio expositivo y que analizan los principios materiales de la propia escultura y de la experiencia esencial y física del hombre. Una aproximación al nexo entre acción y escultura y al equilibrio de materias e influencia energética entre ambas.
El uso de cilindros, turba y aceite, el sonido, palabra y cuerpo interpretadas como formas y materiales inasibles, como geometrías elementales y absolutas, cuestionan y alteran el proceso de construcción y la decisión sobre el término de una obra.
Rodríguez-Méndez interviene sobre la incorporeidad del material y la condición abierta y latente de sus obras, en un juego de pérdidas y restituciones que atestiguan la presencia definitiva y esencial de vida y cambio.
